简介:本书全面分析了自钢琴发明以来主要的演奏和教学理论的特点，并阐述了人类中枢神经系统在演奏和学习钢琴过程所扮演的角色和起到的作用。

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SLS是一种【练声方法】，而练声方法并不等于唱法。 SLS唱法的创始人是Seth Riggs，今年已经87岁高龄的他，带过的学生个个都是超级巨星。 MJ、Prince、Madonna、Mariah Carey、Stevie Wonder、Adam Lambert、Ricky Martin、Barbra Streisand、Tina Turner、Diana Ross、Jeremy Irons、Kirsten Dunst、Samuel L. Jackson、Janet Jackson、David Archuleta、WhoopiGoldberg、Natalie Cole、Anita Baker、PhilipWebb、Daniela Romo、Jesse Mc Cartney、VanessaHudgens、Ray Charles、Barbra Streisand、Cher、Kevin Kline、Jeremy Irons、Kirsten Dunst、Bernie Mac、Sharon Leal、Conan O' Brien…… 除了欧美明星外，Seth还有非常多出色的亚洲学生，李玟、王力宏、林俊杰、邓紫棋、张杰、Uta悬铃木（唱功酱创始人）、F4-Vanness、韩国巨星Rain等均是师出Seth门下。 目前为止，Seth的学生们一共已经拿到超过135个格莱美奖，说Seth是“众星之师”完全不过誉。 　SLS唱法的优点 1 方便快捷，初学者就能尝试上高音 “一节课让你唱上Hi C！” 这绝对不是SLS的虚假广告。 通过一系列包括唇颤音、高喉位练习和头声练习，初学者的确有可能在两个小时内在音阶上获得一个明显的提高。 因为很多人其实并不是唱不了高音，他们只是用错了方法，高音靠的不是嘶吼也不是爆发，过度的肌肉和音量运用反而会触发吞咽肌肉，从而阻碍声带的自由振动，声音被“锁死”了，高音自然上不去。 SLS做的，就是“解锁”这个步骤。 2 健康安全，循序渐进 有人会觉得，这么容易就能上高音，SLS是不是一种因噎废食的速成方法？ 本酱要告诉你：绝对不是！ SLS是一种非常安全的练声方法，它并不会让你长时间进行同一种喉位练习，而是各种练习方法反复交叉使用。

内容简介 · · · · · · 在十大音乐家的生涯的零星故事中，很可以窥见音乐在近世欧洲的地位的变迁。这十位音乐家的生平与创作，恰恰就是近世西洋音乐从古典主义到浪漫主义的一幅略图；《近世西洋十大音乐家故事》正是以浅显而生动的文笔，以大音乐家的传说和逸话，勾勒出了十大音乐家各不相同的音乐生涯。 内容目录： 近世西洋乐坛之盛况 ――十大家在近世乐坛上的位置 一音乐艺术的独立 二器乐的勃兴 三主调音乐的成立与奏鸣曲的发达 四标题音乐的兴行与乐剧的建设 海顿 一大音乐家的起步 二流浪时代 三得意时代 四海顿与莫扎特 五海顿与英国 六高龄与大作 莫扎特 一家学渊源 二惊人的神童 三少年时代 四贫困与恋爱 五音乐家与结婚 六杰作与夭死 七生活与艺术 贝多芬 一英雄的贝多芬 二狂徒的贝多芬 三儿女的贝多芬 四狂澜的少年期 五苦恼的袭击 六《月光奏鸣曲》 七《英雄交响曲》 八永远的恋人 九对命运的战斗 舒伯特 一终身的贫贱 二放浪的天才 三作曲的突发 四生话的苦况 五舒伯特与贝多芬 柏辽兹 一浪漫的全生涯 二愤怒的天才 三故乡与初恋 四横逆的成长 五《幻想交响曲》的动机 六吻尸与暗杀 七创作的欢喜 八晚年的寂寥 肖邦 一哀愁的一生 二钢琴诗人的素养 三革命与去国 四恋爱与作曲 五晚年的颓唐 舒曼 一创作与批评的兼长 二天赐的乐才 三法律与音乐的战斗 四乐坛上的现身 五恋爱的诉讼 六如诗如花的结婚生活 七发狂、投河、死 李斯特 一、对异性的磁力 二慷慨慈悲的艺术家 三幼年生活 四演奏会的开始 五失望的考验与先辈的感化 六家庭生活 七钢琴演奏家的活动 八魏玛的结实 瓦格纳 一从文学到音乐 二从伦敦到巴黎 三亡命时代 四巴伐利亚国王的宠爱 五瓦格纳与尼采 六瓦格纳的幻灭 七拜罗伊特的结实与晚年 柴科夫斯基 一悲怆的音乐家 二音乐家与死 三音乐家的出发 四教授时代 五作曲上的逸话 六恋爱的失败 七自由创作时代 八神秘的结婚 九隐遁及晚年生活 原版序言 译名表 校订记 杨子耘

一说到“来来来，我们来探讨一下乐理”，大家就头疼不已。今天小编不进行枯燥的乐理知识普及，而是带来一些在编曲创作中很好用的乐理知识和使用方法，希望在你编曲写歌一筹莫展时能派上用场： 1.分解和弦 如果善用分解和弦，相当于开发了一个和弦的更多可能性。是否决定键盘部分总是弹些三和弦、七和弦的很僵硬呢？通过开发分解和弦，上行、下行、删去一些音、加上一些音——任何好听的组合方式，这样开发出的琶音们虽不在节奏上有明显作用，但往往是一段好旋律的开始。并且，由于这是从和弦演变来的旋律，它也会妥妥地位处和声进行中，不必担心“跑调”。 图中例子的前4小节和后4小节就是僵硬的和弦与灵巧的分解和弦的效果对比。 2.和弦转位 以根音为最低音的和弦叫原位和弦，如果以三音、五音或者七音为最低音的时候叫做和弦转位。转位时通常“被转位”的音会产生八度变化，听上去更灵气的同时，八度的调整也能丰富编曲的频谱，使整体听上去更加悦耳。 图中例子用的是C, D, Eb, F和声进行，同样是前4小节与后4小节做了对比。感兴趣的你可以打开DAW或在键盘上试一试，感受其中的不同。 3.低音的变化 最常见的贝司编曲方式就是走和弦的根音，由于其乐器的音域特性，通常也是扮演最低音的角色。那么贝司老走低音这种寻常的，或者说不动脑子的路线，肯定是难以出彩的，何不试试多尝试一些变化呢？ 步骤1：举例来说明，例中的钢琴部分在不断重复C和弦，听上去十分枯燥。除了改变和弦，我们可以尝试从低音部分入手。 步骤2：前两小节，贝司走根音，演奏C音；接下来两小节，讲C音降至A音，与钢琴部分构成一个完全不同的和弦——Am7b5 (A-Eb-G-C)和弦。 步骤3：钢琴部分的和弦保持不变，我们将贝司演奏从A音变为Ab，就得到了Abmaj7 (Ab-Eb-G-C) 和弦。然后，继续试验，弹F、升到G、再到C音……富有灵气的贝司线开始显现出来。如果你不确定究竟哪些音在调上，可以试试从那些和声内的和弦中挑出音来演奏。 4.模式≠音阶 “模式（mode）”可能对于你来说是一个比较新鲜的概念，但它能让你对音乐有一个全新的视角。音阶的概念大家都很熟悉，从简单的小调音阶、大调音阶到各种不同地域、人文、演奏乐器所相关联的音阶。但模式究竟是个什么东西呢？其实很简单：C调大调音阶(C D E F G A B)，太常见不过，有什么好研究的呢？如果你试试将演奏开启的音换一换位置，不从C开始呢？ 打开工作站，先弹奏C调大调音阶(C D E F G A B)，然后从D开始弹奏，或者F开始。这种音阶用作极简音乐的loop会非常适用。 5.单音也可以很有魅力 写旋律是比较苦的差事，但如果节奏足够牛掰，你所需要做的就是弹一个音就足矣。 试着在主歌部分就弹一个音，在桥段加一些音引入副歌。这种方法能让你集中能量于节奏律动和音色音效上，而不是总把筹码压在旋律创作上。 6.借用和弦/调式互换 借用和弦（borrowed chords）意为“同一主音，但不同调式”的使用。怎么理解呢？举个例子，C大调包括C D E F G A B这几个音，它组成的所有三和弦为C, Dm, Em, F, G, Am, 和Bdim，但如果我们将其中一个C大调的和声进行中将某个和弦置换成C小调和弦呢？ 例如一个C大调的1-6-4-5级四个和弦（C、Am、F、G）组成的乐段中，将Am换做Ab和弦，听上去就更有意思了。 7.复合和弦 将普通的小三和弦或大三和弦组合在一起，能得到更丰富的复合和弦。 最经典的复合和弦组合：我们将C大调的一级和弦 (C-E-G)用作第一个和弦，再找一个与其根音构成纯五度关系的大调和弦，即G major (G-B-D)。两个和弦一起演奏，我们得到了Cmaj9和弦(C-E-G-B-D)。 8.音程跨度 在写旋律的时候想要营造一种戏剧化效果或吸引听众的注意，我们可以试试拉长两个相邻音符间的音程跨度。最经典的就是1音和6音的使用了。这能将你带入一个全新的音域，带来更多的变化和创造力。 9.五声音阶 明明有12个音放着不用只用5个，貌似限制了你的发挥？其实五声音阶好用地超出你的想象！写出洗脑的旋律全靠它你造吗？在此就不做举例了，在你的键盘上弹一弹，编曲的时候用一用，你就知道它的功效了。（温馨提示：药效虽好，请勿滥用~）

掌握一门乐器，在很多人看来只是能够偶尔拿来表演一下，小露一手，或者是在自己比较悠闲的时候以一种文艺的方式去消磨一下时间。 但事实上，掌握一门乐器，会对我们的日常生活有极大的帮助，其是在思维深度的层面上。 当然，我这里说的掌握一门乐器，绝对不是让你去照葫芦画瓢的弹奏一首曲子这么简单。想要掌握一门乐器，首先需要的是乐理知识，乐理知识决定了你在艺术方面的思维深度。 那么乐理知识是干嘛用的呢？ 很简单，很多时候我们听到一首曲子，觉得好听，但是我们又不知道它为什么好听，以及好听在哪里，还有如何去复制这种好听的感觉。 而学习了乐理知识之后，我们就可以对一个曲子进行非常理性的分析。 在学习乐理之前，你只能说“这曲子真好听”。但是学习乐理之后，你就可以从拍型、调型、节奏、音域、和弦种类、情感等领域非常细致的进行分析。 也就是说，让你从根源上了解一个东西到底好在哪里，以及如何复制这种好。那么当你学习了乐理知识过后，你就会知道哪些音符组合起来是好听的，哪些音符组合起来是有违和感的，哪些音符可以代表异域色彩，哪些音符可以为曲子带来一抹悲伤。 这是一种对艺术进行底层分析的过程。当你掌握了这些知识之后，你再去学什么即兴伴奏这类的技能就非常的简单了。 但是这些知识对我们的日常生活有什么帮助呢？ 艺术知识对我们日常生活的帮助主要是思维模式，而这种思维模式是非常重要的。 比如，大家常说XXX演技不行，但是很少有人去分析他演技为什么不行，当我们学会了底层分析之后，我们就去想着去分析，他的演技到底差在哪里？？是什么地方出现了问题？是表情？是语速？是肢体动作？还是别的什么东西？ 在我们进行了底层分析之后，我们可以找到某一个人演技不好的具体原因。这时，如果让你再去演戏的话，你就可以直接规避掉这个问题。 当然，这种底层分析的方法不仅仅是运用在演戏上，还可以运用在日常学习中。 再来个通俗易懂的例子，当我们看到学霸考了那么高的分数后，很多人只是感叹学霸牛逼，但是很少有人会去进行非常底层的分析。 当我们看到学霸考的分数很高的时候，我们就要有一种念头，一种去进行底层分析的念头。我们要去观察他到底是通过什么样的方式来做到“学习比你好”这件事的。 比如，我们首先观察到某位学习不错的人，上课的时候基本不听，大部分时间是在做自己的习题。那这个时候我们就要去思考“为什么他上课不怎么听，却能去做习题呢”？ 那么答案大概率就是他之前已经进行了预习，而且是深度预习，只需要偶尔听听自己没理解的地方就可以，剩下的时间完全可以做自己想做的内容。 但是这时候又出现了一个问题“为什么我每天的作业做完已经很晚了，根本没有预习的时间，他却有时间预习呢”？ 然后通过我们的观察，发现他的作业在放学之前就已经做完大部分了，而作业基本上都是在课堂里完成的，如果布置了作业就写作业，没布置作业就做习题，通过这种方式，来为回家后的预习和复习腾出时间。 但是问题又来了“我们明明没有时间预习和复习，那又如何在不怎么听课的情况下顺利的完成作业呢？” 接下来我们就会着重观察他做的习题进度和课堂进度之间的关系，通过观察我们发现了一件事，他的习题进度是要比课堂进度提前的，并不是和课堂进度持平的，而这种提前度是通过开学前以及周末的预习来做到的。 我们可以通过观察判断出：他在开学前，已经预习了两周的内容，然后在每个周末，把下周一、二两天的内容再预习出来，并且在上学日每日往后预习一天的进度。 即：周末预习出下周一、二的内容；下周一预习出下周三的内容；下周二预习出下周四的内容；下周三预习出下周五的内容；下周四进行复习与回顾；下周五在放学后进行休息。 他是通过这样的方式来步入一个良性循环的。 那最后，我们就要去判断这种方式要如何进行复制。 我们本周的进度是与课堂持平的，所以没有预习的时间，因此我们把第一次的预习放在本周末。 那么本周末原定的娱乐活动就要取消一下，为了步入良性循环我们需要做一些牺牲。 当我们在周末预习了下周一、二的内容后，我们就可以初步步入这个良性循环了。 但是还有一点我们和他不同。他在上课的时候是以完成作业与习题为主，听课为辅。但是你在上课的时候是以听课为主，溜号为辅。所以你还需要改变你的听课状态。 因为你的预习进度已经比课堂进度提前了，所以你需要通过合理的调配听课与做题的时机来去为你本日的复习腾出时间。（如果你的作业占用了你大部分的放学时间，那么你的预习时间就会被大幅压缩，所以你还是需要在放学前尽量通过课堂和课余时间做完大部分作业，回家之后主要的时间是用来进行预习和复习的，而不是做作业的。） 那么通过这样的深入挖掘，我们就能比较透彻的发现对方相较于我们的优势，并且通过深入的剖析来把这种优势变得可复制。 最终复制到你的身上那么这个优势，也就成了你的优势。 而艺术的本质，就是帮助你去培养这种挖掘本质的思维方式。 很多人觉得学习一门乐器就是学会演奏，这是绝对错误的。演奏，只是装装样子罢了。你只有深刻的理解了一个曲子，你才能明白你要表达出什么样的感情来演绎这首曲子。然后你还要去琢磨如何去表达出这样的感情。 如果音乐只是每个音都达到了音准而毫无情感的话，就成了一副空壳，毫无内涵。情感，才是艺术的灵魂。 不论是绘画、还是乐曲，表达的核心其实是一种情感。只有在你深入剖析后，你才能明白这是种什么样的情感，以及如何表达出这种情感。 而表达情感的过程，其实就是复制他人优势的过程。 所以说，艺术教给你的绝不仅仅是什么演奏，而是思维。创作的本质，其实就是产生一种有深度的思维。欣赏的本质，其实就是挖掘这种有深度的思维。 所以，当我们真正的掌握了一门乐器之后，对于生活对于生命的理解也会更加的深刻。这也是艺术家们经常说【艺术源于生活，高于生活】的原因。 其实艺术存在于我们日常生活中的各个角落，可是只有少数人能够对他们进行深入的挖掘，然后找到其中的奥妙。 掌握一门乐器，会大大的改变你的思维方式，进而影响到你的生活。 毕竟，艺术不仅仅是用来表现的，更是用来思考的。

内容简介  · · · · · · 一本丰富多彩、带你走入古典音乐世界的图书！ 收集古典音乐唱片的秘笈！ 古典音乐原来可以这么有趣！听到巴赫、贝多芬、勃拉姆斯的名字，你是否仍感到困惑？别担心！这本亲切、生动和易于理解的指南会为你介绍作曲家、乐器、管弦乐队、音乐会、唱片……当你置身于古典音乐的殿堂，你一定会十分惬意并受益无穷。 本书告诉您： 如何区分古典音乐的不同风格 如何得体地参加现场音乐会 了解管弦乐队中的乐器 掌握节奏、音程和其他音乐基础知识 如何开始难以置信的古典音乐唱片收藏 随书附赠CD包括 √超过60分钟的演出录音 √包括巴赫、贝多芬、勃拉姆斯等名家选段 √方便的MP3文件 内容目录： 序 前言 导言 为什么说这本书是为你写作的 如何读和听这本书 本书使用的图标 为何一个古典音乐初学者更能感受到魅力 第一部分　欢迎你进入古典音乐 第1章　把古典音乐这只牡蛎撬开 本章主要包括 什么是古典音乐 我怎么知道我会喜欢它呢 有高度影响力的作曲家的7种习惯 他们的音乐是用心灵写成的 他们使用一种你能感知的结构 他们都是有创造力和独创性的 他们贴切地表达了人类感情 他们用变化和速度吸引你的注意 他们的音乐易于记忆 他们用自己的创作来感动你 第2章　用80页来谈全部的音乐史 本章主要包括 古典音乐是如何开始的 中世纪 格里高利圣咏 一个名为规多的僧侣 解散 文艺复兴 牧歌 歌剧盛极一时 巴洛克时代 叛教者的音符畅流不息 国王、教会和其他达官贵人 安东尼奥 维瓦尔第 乔治 弗里德里希 亨德尔 约翰 塞巴斯蒂安 巴赫 古典风格 弗朗茨 约瑟夫 海顿 沃尔夫冈 阿玛多伊斯 莫扎特 路德维希 凡 贝多芬：改变一切的人 舒伯特和他的歌曲 雅各布 路德维希 费利克斯 门德尔松 巴托布迪 不可救药的浪漫主义 卡尔 玛利亚 冯 韦伯 埃克托尔 路易 柏辽兹 弗雷德里克 弗朗索瓦 肖邦 罗伯特 舒曼 约翰内斯 勃拉姆斯 超级明星：帕格尼尼和李斯特 李斯特遵循帕格尼尼的引领 理查德 瓦格纳 理查德 施特劳斯和古斯塔夫 马勒 古典音乐中的民族主义 贝德里希 斯美塔那 安托宁 德沃夏克 爱德华...

内容简介： 《流行爵士和声学》内容简介：十四岁那年，一个巧合的机缘，我有了把玩吉他的机会。琴弦经拨弄后发出的美妙声音深深地打动了我，在没有任何老师传授指导的情况下，自我摸索后用简单的几个基本三和弦，我竟然弹奏出了一些国语和西洋流行歌曲！ 二十岁那年我踏入了流行音乐的职场。起初跑场于餐厅、舞厅，慢慢地进入了酒吧和夜总会。如今回忆起那些跌跌撞撞的日子，艰辛和痛苦更不足为外人道。天道酬勤，大量丰富的音乐演奏经验和实力就在那甘苦自知的日子里获得了积累。凭借积累下来的宝贵经验和实力，我担任了台湾电视公司附属大乐队主吉他手，从而更深层面地领略到一点：爵士乐凌驾于其他音乐艺术，爵士乐更能将伴随人类生活中的宁静与不安、愤怒与俏皮、痛楚与喜悦等伴随着人类生活的情绪作出完整的表达与传输。 内容目录： 第一章 基本乐理 一、音名与音程 二、三和弦 三、七和弦 四、和弦功能 五、终止式与挂留音和弦 六、强弱、律动、轻重 第二章 大调的子音阶 一、伊奥尼亚调式、多利亚调式、混合利地亚调式 二、趋近音 三、弗里吉亚调式、爱奥利亚调式 四、利地亚调式、洛克利亚调式 第三章 属七和弦 一、属七和弦 二、次级属七和弦 三、次属的和弦音阶 四、处于律动弱位的属七和弦 五、先来音、迟至音 六、虚伪解决、延伸属七和弦 七、根音运动与和声连接 八、替代属七和弦 九、属和弦的关系Ⅱ 十、蓝调音乐(Blues) 第四章 调式 一、大调小调的Ⅱ-Ⅴ-Ⅰ互换 二、调式互换 三、线性惯用句 四、调式音乐 五、调式音乐和声 第五章 和声运用法则 一、延伸音原理 二、大调顺阶和弦 三、次级属七和弦 四、替代属七和弦 五、小调及调式互换 六、延伸音运用法则 附录一 曲谱分析参考 附录二 和弦速查 附录三 名词速查

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